eu ando pela cidade e esqueço que existem pássaros, mas sempre que retorno para minha casa, que é na Ilha de Vitória mas longe dos centros e abraçada por um grande maciço, eu me lembro dos pássaros. eles não me permitem esquecer que existem. Seus cantos são bonitos. até mesmo quando anunciaram o falecimento da minha avó. generoso canário amarelo. até reconheço o canto dele, seja onde for. as más notícias também podem ter sons bonitos.

ele, o pai, conversador que parece ser, estava enfrentando as consequências do que ele iniciou poucos segundos antes, quando interagiu com o filho, dizendo que estava fazendo calor.

a criança perguntou o quê isso significa, ele responde algo, a criança pergunta de novo “por quê?”. o pai responde. a criança pergunta novamente sobre a nova resposta. o pai, que a esta altura já sabe que o filho continuará fazendo novas perguntas, também responde esta pergunta. o pai segue responde do todas as pequenas perguntas com paciência e entusiasmo – como se os infinitos “por quê’s?” de uma criança nunca fossem acabar. fiquei impressionada “ele não se irrita?”.

eles já rodaram o quarteirão três vezes desde que cheguei, por volta das 9h30. a criança para, vê uma nova flor. se cansa com o pedal. faz uma nova pergunta ao pai. volta a andar de bicicleta.

e tudo segue pacientemente com este pai. continuo impressionada.

será mesmo que o pai é tão amoroso e paciente quanto parece ou essa criança tem uma mãe? somente a presença de uma mãe torna o pai uma figura divertida e amável. e pela autonomia que aquela criança parece ter perto dele, com certeza aquela criança adora mesmo é o pai.

na vida, provavelmente este é o primeiro momento em que nos desencontramos com verdadeiro amor: nos tornamos cegas para quem nos cuida e nos conhece, para nos tornarmos atentas para quem nos entretém e nos distrai. talvez é assim que nos negamos ao conhecimento de nós mesmas?

antes de mais uma volta ao quarteirão, ao longe, vejo o jovem pai, que está parado na rua, braços cruzados em suas costas, vendo o filho provavelmente de frente para sua casa, aos berros pela mãe pra que ela o veja (no fim das contas estamos sempre gritando pelo amor). apenas ouço os gritos dela em resposta; como ela não aparece, suponho que ela dizia que não podia. o jovem pai está parado, chamando o filho, que o ignora para insistir mais um pouco pela mãe.

pouco tempo depois, a criança reaparece ao lado dele andando de bicicleta. o pai parece mais ríspido “anda por aqui!”, “sobe nessa bicicleta!”, “para com isso!”, “vem para cá!”. não demorou muito pra se revelar.

é claro, essa criança tem uma mãe.

hoje é domingo e me distraí do fato de que os domingos são, por excelência, o dia dos pais: o dia da folga.

Hoje o que me atravessa é o Baile Voador, uma festa de vinil que rolou, em Vitória/ES no dia 13 de dezembro 2025. Uma festa que me fez refletir sobre as mudanças históricas em movimentos cotidianos… ou melhor, sobre a morte do flerte.

Estávamos eu e outras 3 amigas conversando na escadaria Maria Ortiz, refletindo sobre como aquela Beco das pulgas no Centro de Vitória estava tão cheia! Cheia de gente diferente e curiosamente interessada em curtir um rolê num beco, só pra ouvir um baile de vinil (que nostalgia, hum?). Mas o ponto era como tinha tanta gente bonita mas, diferente de antigamente, as pessoas pareciam não estar disponíveis para flertar.

Fato é que não se olha mais como antes, não se chega mais nas pessoas como antes e até brincamos que hoje, para muitos, “basta ficar encarando feito um encosto, mas quando chega a hora da atitude, tudo esfria”.

Entramos em uma longa conversa sobre o descontentamento com a cultura do flerte nas noites e refletimos “será mesmo a morte da noite como estão dizendo por aí?”. E como Julya Maria mencionou nesta conversa, “há vários pequenos fatores” que culminaram nisso que eu acredito que seja, fundamentalmente, a morte do flerte, não da vida noturna. Mas que, de algum modo, configura sim um fim da ideia geral que se tinha da vida noturna como um momento para flertar. E eu quero falar sobre isso!

Ora, e a que se deve essa morte? Entre um deles, a Covid-19, sejamos sinceras! Talvez nem todo mundo tenha a dimensão que foi isso, mas… nós mudamos de vida com a chegada da pandemia.

Isso foi uma pira que Isabela Donô me compartilhou duma aula que ela teve em comunicação cultural. Sua professora, de quem não me lembro o nome, comentou que o que aconteceu de fato entre 2020 e 2021 foi a passagem do século 20 para o 21… uma mudança que talvez não tenha ficado tão clara entre 1999 e 2000, mas que ficou palpável com o advento de um vírus fatal que circulava pelo AR.

O curioso é que antes dos anos 2000, o que não faltava eram produções artísticas e culturais que previam o futuro cheio de tecnologias digitais, coisas voando pelo ar, comunicações cada vez mais telepáticas mediadas pela informática; um mundo fantástico que existe nesse lugar suspenso da matéria (no “ar”), onde a internet seria nossa nova consciência. Bom, ainda não temos carros voadores – e espero que não tenhamos, porque isso significaria estabelecermos uma hierarquia de quem poderia ter direito ao ar limpo e ao próprio sol – mas temos uma passagem avassaladora das relações sociais para esse ambiente virtual, rarefeito e “etéreo” que é a internet.

Talvez por isso, o foguinho do Instagram se tornou motivo de alarde entre os novos jovens adultos: “é essa a nova forma de flerte?!”. Sim, é. Ou melhor, não é “a nova forma do flerte”, mas o espaço que restou para uma performance do que é flertar (que talvez já não saibamos mais qual seja!). Porque a gente está lidando com a transfiguração da ideia de se relacionar com o outro. O foguinho é só uma ferramenta, um símbolo que tenta traduz um amontoado de desejos e projeções em código binário.

E isso talvez revele um grave sintoma do isolamento que tivemos… o que hoje é “capaz de traduzir” nossos sentimentos, se nem o silêncio e a solidão foram capazes de nos fazer encontrar essas palavras? Digo… essa reclusão não nos devolveram palavras… nos devolveram somente a responsabilidade pelos nossos silêncio e algumas certezas. Certezas essas que foram capazes de retirar qualquer de encontrar palavras que descrevam a barbárie que vimos: a capacidade das pessoas serem irresponsáveis, negligentes e zombeteiras com a vida.

Ficamos diante do fato de que estávamos nos relacionando com pessoas que não queriam lavar as próprias mãos ou usar máscaras para preservar a nossa vida. Então… quem neste mundo de meu deus seria capaz de ignorar que voltar a se relacionar com as pessoas implicaria lidar com o fato de que muitas delas nem escovam os dentes? Não fazem testes de IST? Não tem o mínimo…. a premissa… aquilo que nos faz querer buscar relacionamentos: o cuidado.

Embora gostemos de dizer que adoramos uma coisa “sem compromisso”, a verdade é outra! Vamos lá né galera? Envolvimento sem compromisso não significa “eu quero prazer hoje, mesmo que isso signifique ser desrespeitada e potencialmente colocada em risco” – ou pelo menos não deveria significar. Com a pandemia, acredito que o que foi posto na mesa foi o modo também como tratamos nossa subjetividade quando o que nos sobrou foi o medo de algo invisível. A ideia do “sem compromisso” ou da “curtição” caíram por terra quando vimos que por trás disso estavam imbuídas motivações internas muito mais profundas do porque gostávamos tanto da vida noturna. Este lugar que buscávamos para nos entreter com a vida através das relações sexualizadas.

Não surpreendente, vivemos uma crise de relacionamentos. Até as relações heterossexuais estão em cheque. 

Não sei se vocês perceberam, mas somos animais que estão passando por uma crise sexual. Talvez seja mais fácil para assimilarmos que as pavoas não copulam e, portanto, não reproduzem se os machos não têm caudas grandes, simétricas e vibrantes. Ou que as fêmeas das aves-do-paraíso rejeitam os machos que não executam a dança perfeita ou não têm plumagem impecável, assim como as andorinhas. Ou mesmo as fêmeas dos peixes como os lebistes e o peixe-espinho, ou os insetos fêmeas como o louva-a-deus, as abelhas, os cervos, os leões, os babuínos. Mas talvez, por uma dificuldade que temos de nos vermos como animais, não estejamos percebendo que o que tá rolando é isso: nós, seres pensantes “acima” da natureza, estamos fazendo seleção sexual. E isso não precisa ser só sobre sexo. Desenvolvemos o intelecto o bastante pra problematizar que as coisas não se tratam só disso, mas no fim das contas, também é fundamentalmente sobre isso.

Pré-pandemia estávamos sendo alertades: a Jout-Jout plantou sementes de reflexões sobre o modo como nos relacionamos.

Mas passeando por alguns textos críticos sobre “a morte das noites”, fiquei refletindo sobre outras coisas também. Lendo o texto “Por que as baladas estão morrendo? Para os ‘reis da noite’, a culpa é (também) dos millenials” no Fórum Outerspace, fiquei muito encaralhada com a palavra “culpa”.

Logo quando iniciamos o texto, lemos isso:

Bom, acima, já falei sobre o “transar” né? Não fui só eu que a considero “a maior de todas elas”.

Mas os outros 2 pontos me deixaram reflexiva: 1) exorcizar a dureza da vida com as músicas dos “bem informados dj’s”e 2) ficar doidão sem risco. Ora, o que está sendo dito, implicitamente é: antes a gente tinha artistas mais dedicados em nos fazer sentir as coisas (de repente, pra ser dj basta organizar as musicas no pen drive) e os HOMENS tinham mais liberdade. Eu concordo plenamente com o que está implícito, mas não acho que ninguém tenha “culpa” de nada, acredito que as pessoas estão distraídas e desatentas – e nisso, buscando culpados.

De repente, virou um problema os jovens não quererem usar drogas! E, por isso, o senhor Facundo, dono de boate lá de São Paulo, teve que “repensar” o modo como vinha gerindo suas 9 casas noturnas. Porque, segundo ele, as pessoas não tão mais querendo ficar “até 3h da manhã” usando cocaína. Porra! Faça-me o favor né, brotherrr? Isso escancara claramente um fato: as boates lucravam com a nossa distração, com a mediocridade e com os aproveitadores dessa distração. E, bom, neste sentido, que lamentável tragédia o fato da gente precisar PARAR o mundo inteiro com uma CRISE SANITÁRIA para perceber que DROGAS não permitiriam ninguém fugir tanto da realidade sem sofrer as consequências disso. E aí de repente, os jovens são “culpados” por não quererem prosseguir com essa cultura predatória(?).

Estabelecemos, até aqui, algumas conexões de informações invisíveis que estabelecem os pilares das noites/flertes como conhecíamos: associação da noite com o a diversão, o sexo e, portanto, também com o gênero, a distração e a relação com as drogas, o modo como a gestão da noite é pensada em relação ao seu publico consumidor e a resposta deste público.

as pessoas ainda estão distraídas, mas no celular. as pessoas ainda estão necessitadas de entretenimento, a questão é que agora elas começam a pensar em segurança. para manter o entretenimento é preciso, portanto, estar vivo – mesmo que isso custe um apodrecimento cerebral e uma completa desorganização do modo como nos vinculamos, que é um efeito desse vício em internet.

Continuemos só com uma coisa com a seguinte fala do nosso amigo do fórum:

Bom, ao menos o fato de todos irmos para as redes sociais intensificou a percepção de que vivemos em uma sociedade que nos vigia e nos pune – alô Michel Foucalt. Pelo menos para isso a migração para internet serviu, para nos mostrar a palpabilidade de teorias sociais que estão dizendo que vivemos cotidianos repletos de violência.

Esse fio dá pistas para o que começa a acontecer antes e se intensificar depois da pandemia: os debates sobre gênero e relacionamento. Entre 2016 e 2019 nós começamos a discutir sobre o olhar do outro a respeito do modo como nos comportamos. Tanto sexismo foi percebido que culminou em um protocolo do “Não é Não” que, inclusive, tensionava o fato de que esses eventos noturnos estavam cheios de assediadores focados em constranger e violentar mulheres que estavam pura e simplesmente ali para “exorcizar a dureza da vida”, como nosso amigão do Fórum postulou. Mas aí cavamos mais embaixo e vemos que a “culpa” não é dos Millenials. Se há culpados, são os infelizes que fizeram ser necessário que existisse uma LEI FEDERAL para que as mulheres pudessem virar gente de verdade e começassem a ter direito ao “não” (uma palavra tão pequena, né?). A Lei n° 14.786/2023 nasce para denunciar que as festas estavam virando mesmo um enterro. E isso não é progresso, isso é uma vergonha – que civilização é essa que depois de séculos de existência, precisa educar seus homens para aprenderem que “não” significa “não”?… wow.

Neste contexto, flertar se tornou um campo minado, um território espinhoso. Como viver num mundo que aboliu a ideia de que um “não poderia virar um talvez e um talvez poderia virar um sim?” como diz uma speaker no seguinte TEDx (eu adoro esse vídeo, diga-se de passagem!):

Como uma mulher lésbica que sempre foi muito flertadeira e chavequeira, eu fiz parte dos dois lados: fui massacrada com os limites (com razão), confrontando minha postura assediadora em muitos desses momentos e também estive do outro lado de ficar irritada com o atravessamento dos meus limites (por parte de homens e mulheres).

se a noite significa se entorpecer, acabar com a própria saúde e possivelmente arriscar a própria vida… bom, que morra a noite, não nós, né?

Agora, acredito que nos deparamos com uma verdade brutal: estar vivo é mais importante do que saciar um desejo que temos pelo outro. Um desejo que implica criar vínculo com os outros e, por isso, também implica em permitir ou não como o outro vive a vida dele nos afete. E isso significa abrir afrouxar os limites que nos asseguram. Mas quais são os limites dos nossos limites? Sei lá… estamos lidando com isso também.

Mas não quero me estender nesse texto e nos comentários do fórum, que são muito elucidativos para nos mostrar o motivo real da morte desses lugares: as presas cansaram de serem fáceis aos predadores.

Talvez estejamos vivendo um processo de seleção tão intenso que até mesmo alguns desses predadores estão apreensivos. Falando de homens e mulheres ou da qualidade ou não dos eventos noturnos, o que se estabelece é uma nova exigência: a experiência precisa ser melhor, um padrão já foi notado e classificado, emerge a necessidade de pensar outras agências para consolidar o flerte ─ que agora se faz em migalhas.

como vivemos em um sistema heterossexual – alô Monique Wittig! – os tensionamentos entre as relações entre homens e mulheres acabam influindo de maneira significativa na vida de todes nós; mesmo que não sejamos parte da norma heterossexual e afetiva.

Para ficarmos na mesma página:

Monique Wittig (1935–2003) foi uma filósofa e escritora feminista francesa ligada ao feminismo materialista. O que ela chama de “sistema heterossexual” é uma estrutura política e social, não apenas uma orientação sexual ou conjunto de práticas íntimas. Para Wittig, a heterossexualidade não é natural nem neutra. Ela é um regime político que: organiza a sociedade inteira, cria e mantém as categorias “homem” e “mulher”, garante a exploração material, simbólica e sexual das mulheres pelos homens. Ou seja, o sistema heterossexual produz a diferença sexual como forma de dominação.

Entretudo, a vida não é só sobre homens e mulheres, nem tampouco as noites. A vida, o dia e a noite é sobre cultura. E esta se faz a muitas mãos. A autora Erika Palomino faz um trabalho primoroso em “Babado forte: moda, música e noite na virada do século 21” (1ª ed 1999, 2ª ed 2024).

A autora mostra, em um livro de quase 500 páginas, que é justamente nas culturas marginalizadas — especialmente nas cenas LGBT, negras, periféricas e underground — que a noite se desloca para não morrer. Quando Erika Palomino observa a migração das pistas fechadas para as ruas, ela está apontando para uma estratégia histórica de sobrevivência cultural que, curiosamente, é feito por corpos que estão nos limiares de tensão entre sexo e gênero. Corpos que sempre foram expulsos, vigiados ou explorados pela noite institucionalizada, reinventam seus próprios territórios de festa, prazer e encontro. E, como uma mulher LGBTq+, também acredito que esse tipo de noite tá muito longe de acabar. Assim, blocos, festas híbridas, ocupações, bailes, ajuntamentos solares e festas em becos institucionalmente negligenciados (como foi o caso do Beco da Pulgas com o Baile Voador) se tornam até respostas políticas a um sistema que cobra caro demais para permitir que certos corpos desejem, dancem e flertem com segurança. A música dos anos 70/80 reuniu todos os corpos possíveis, todos estavam vivendo a noite por um único motivo: a música, a nostalgia de um tempo pior, mas mais agradável porque é conhecido – diferente deste novo mundo que se apresenta cada vez mais estranho pra nós.

Nesse deslocamento, portanto, o flerte também tendecia se reconfigurar. Fora da lógica predatória dos clubes, ele deixa de ser consumo rápido e passa a exigir códigos compartilhados, leitura de contexto e cuidado mútuo — algo que as culturas LGBT particularmente sempre souberam produzir, justamente por viverem sob risco. Babado forte pode nos ajudar a refletir que essas cenas não estão em crise por falta de desejo, mas porque estão recusando modos de relação que reproduzem violência, assédio e descarte. O que emerge é um flerte mais fragmentado, mais atento e menos disponível, por escolha.

Talvez seja por isso que todes estejamos “passando fome”, porque estamos falando sobre reconhecer violências que produzimos, reproduzimos e/ou permitimos — e isso não só de homens, mas de qualquer ser que se pretenda humano. Rola então uma fome de encontro que não seja violento, nem que sirva como anestesia coletiva. E isso nos obriga a encarar que, agora, o flerte não se sustenta mais no que foi automatizado e passa agora por uma construção frágil, situada e, talvez… mais ética? Bom… no Baile Voador eu não tive muitas respostas pra isso, havia muita gente, muita conversa mas muito silêncio. Uma prova de que esse motivo que nos une, ainda não basta para nos reconciliarmos (ou “re-vincularmos”).

O preço de se autovalorizar é muito alto! Mas a noite continua viva onde sempre esteve: nos corpos que precisaram inventar outras formas de existir.

Hoje, a experiência que me atravessa é o show da Sthelô que ocorreu no dia 11 de dezembro de 2025 no Theatro Carlos Gomes em Vitória/ES. Um lembrete de que há quem se prepare para a grandeza.

Há um tempo atrás, num dos inúmeros cursos que eu gosto de me meter, passei por uma breve imersão em “Autoproteção Magicka” com o Victor Vieira. Na experiência em questão, o objetivo era aprender ações básicas para se ter autonomia sobre a própria energia e a defesa dela. No meio da primeira parte do vídeo, algo que ele disse em apenas 10 segundos e que, para mim, resumia àquele encontro de 2h30, me marcou profundamente: atenção é energia e energia é atenção.

E então, eu entendi que proteger a própria energia consistia em gerir a atenção que damos às coisas. Depois disso, ficou mais fácil, enfim, me proteger de tantas coisas que me importunavam. Em um período de muita sensibilidade, eu acabava sendo atravessada por toda sorte de informação esquisita (sons, luzes, palavras, pessoas etc) e isso me rendia tenebrosas crises de sensibilidade, que culminavam em ansiedade e pânico. Foi importante refletir sobre o ensinamento do Victor de que “as coisas só tem poder de nos afetar à medida que permitimos” e, portanto, a forma de permitir seria através da atenção.

De alguma forma, aquilo foi uma semente para que hoje eu começasse a refletir com mais profundidade sobre com o que eu gostaria de dedicar minha atenção.

beleza, isso foi há uns 3 anos e o que tem a ver com Sthelô?

Sthelô é uma pessoa que conheci na faculdade de Ciências Sociais em 2019, ela era minha veterana direta. Mas até 2021 nossa relação não se cruzou de maneira profícua; ela, uma baiana tentando encontrar um pouco de calor na cultura capixaba, ainda não tinha se confortado em nossa profunda falta de hospitalidade. Portanto, nem tampouco eu cruzei a linha dessa cultura na qual nasci e fui criada para poder oferecê-la aquilo que não somos ensinados a dar. Mesmo assim, vários momentos não se passaram despercebidos, entre violências psicológicas e fúteis prazeres que só a universidade federal é capaz de proporcionar, percebia, ainda assim, um consistente compromisso da Sthelô com sua própria sensibilidade.

Em algum evento da UFES entre 2019 e início de 2020 eu a vi cantando “atemporais”, um grão autoral que ela trouxe para nossas terras espírito-santenses. Depois, nos encontramos em salas de aulas, nosso contato foi aumentando e, enfim, ganha um corpo quando o espírito da intimidade resolve juntar eu, ela e Amanda Kapiche em vários dos intervalos dessas aulas; daí, segue-se uma relação entre muitos papos e paióis.

Descobri que eu e Sthelô pensamos muito parecido, não em conteúdo, mas em linguagem de neurose e obsessão: o desejo feroz de devorar a vida e também de construir discursos coesos sobre ela. Foi daí que eu comecei a desenvolver um extremo carinho por ela, percebi o quanto era dedicada às próprias ideias e isso eu acho de uma deliciosa coragem.

Acredito que atordoada de várias demandas, vi Sthelô pensar em desistir das Ciências Sociais algumas vezes por querer dedicar-se à música. E lembro de também ter visto a música entrar em questão para finalizar as Ciências Sociais. Esses momentos sempre me deixavam angustiada, pensava que ela era uma mente afiada demais para abandonar as ferramentas que a possibilitavam questionar a realidade e também pensava que era uma pessoa sensível demais para deixar a arte – o contrário também é verdadeiro: sensível demais para abandonar a pesquisa e afiada demais para abandonar a arte. Graças a deus ela conseguiu encontrar um caminho como uma artista pesquisadora e pesquisadora artista e, enfim, as Ciências Sociais deixaram de ser um abacaxi e se tornaram mais braços para a efetivação do seu propósito na arte. Esse casamento, aparentemente, culminou em uma oportuna apropriação da Tua própria voz e, portanto, de sua própria narrativa.

Me parece que, mesmo provavelmente dedicando essa canção a uma outra pessoa, “Tua” (2021) é quase como uma profecia do que estava por acontecer pelos próximos momentos de sua vida: uma coleção de “clichês” sobre si, uma identificação de cores e gostos que só se descobre quando há entrega, rendição e prontificação.

não tomo aqui clichê como algo ruim, mas um amontoado de coisas que se tornam padronizados em nosso hábito e revelam um retrato de nossa especial insignificância.

Daí, foi possível perceber seus rearranjos discursivos acompanhando o modo como a artista vinha aprofundando-se na complexidade do seu ser. A ética foi se refinando e a estética se tornou cada vez mais madura, profunda, sombria, elegante, sensual e cada vez menos ordinária. O erótico passa a ser usado como poder, de fato, como Audre Lorde (1984) propõe, e Sthelô passa a assimilar o “poder de nossos sentimentos impronunciados ou não reconhecidos” nessa “partilha do prazer, seja físico, emocional, psíquico ou intelectual [que] forma entre as compartilhantes uma ponte que pode ser a base para entender muito do que não é compartilhado entre elas, e diminui o medo das suas diferenças” (Lorde, p. 2, 1984). Daí, ela descobre em si e para o Espírito Santo o sentimento que ela intitula melancolia tropical – será que teria um outro lugar melhor para ela descobrir esse sentimento ancestral se não em um lugar que intensificaria seu sentimento com a solidão?

Esse sentimento, entretanto, não se encontra perdido no nada, mas em um corpo político que a cantora reconhece como mestiço e socialmente construído como mulher e que, por estes enquadramentos, se esbarram com as questões do mito da democracia racial e o fetiche da “mulata”. Portanto, o que passamos a ter de Sthelô, antes “sthelô”, é um novo manuscrito sobre sua coragem de explorar no paladar esse novo mundo que ela passa a devorar. O Formemus Lab parece ter sido um belo palco para atestar sua importância para a cena capixaba.

não é surpresa portanto que tenha se destacado. no fim das contas, o que mais chama atenção é a presença que uma pessoa encarna ao demonstra propriedade com o próprio discurso e comprometimento com isso.

É fato também que seu casamento musical com o instrumentista Igor Morais foi uma grande bênção para seus caminhos. não porque Sthelô não seria Sthelô sem ele, mas porque ele parece ter sido a melhor combinação possível para interpretar sua linguagem e transpor em notas e melodias – o que somente alguém com uma profunda intimidade com a música como ele tem seria capaz. É nestes momentos em que vemos que não é sobre melhor ou mais, mas sobre o necessário. E essa foi uma alquimía que deu certo, talvez Sthelô realmente precisasse de alguém tão obssessivo quanto ela em seu compromisso com a sensibilidade – isto é, alguém que ficasse fritando os neurônios para produzir uma só música por meses para que ficasse perfeita (ou melhor… como deveria ser).

E então vem um show grandioso no Movimento Cidade e tantos outras experiências em lugares e contextos importantes, retornando ao palco principal na Formemus com seu show solo e também no 4º Prêmio da Música Capixaba (onde recebeu a melhor capa de 2024 com “Coragem”) e no Parque Cultural da Casa do Governador em Vila Vilha/ES. Até, por fim, realizar um show no gigante e, agora, reinaugurado Theatro Carlos Gomes no coração de Vitória.

Para ficarmos na mesma página:

O Theatro Carlos Gomes, o mais antigo do Espírito Santo, abriu suas cortinas pela primeira vez em 5 de janeiro de 1927. Fechado em 2018, o teatro reabriu suas portas em novembro de 2025.

Confesso que eu não sou o tipo de amiga que estará presente em todas as micro-vitórias, gosto mais de ser presente no cotidiano e testemunhar os passos de grandezas. O show no Theatro era, portanto, uma grandiosidade dentro do cotidiano de uma quinta-feira às 19h. Veja… era um show em um patrimônio histórico que só retornou à vida com muita insistência da comunidade cultural capixaba. Era um momento grande, em um lugar grande, a expectativa era alta. E Sthelô foi surpreendente.

Ela chegando de vermelho, visceral, profanamente santa. Trouxe uma dimensão etérea para o início do show, colocando a gente numa suspensão no tempo do tipo que nos deixa em uma tensão constante — mas uma boa tensão. Um tipo de tensão que nos convoca à presença. Era, portanto, magia. E, daí, eu me lembrei de tudo que aprendi sobre autoproteção magicka, de que falei no início do texto e, sobretudo, comecei a refletir sobre os rituais e sobre como os shows costumam ser esse lugar que nos convoca à responsabilidade da presença. Porque cada show serve a um propósito: é um momento de excitação coletiva e, portanto, de grande magia, já que manipula nossa atenção (lembra sobre atenção ser energia e energia ser atenção?).

Sthelô, agora STHELÔ, conseguiu se encaixar bem na cultura capixaba de curtir show sentado – há coisa mais melancólica do que isso? –, nos serviu um belo banquete espetacular e, de quebra, honrou o Theatro de tal forma que eu poderia sentir os espíritos que o habitam celebrando tamanho respeito com a casa — que, sendo representada ou não pela grande elite, foi construída com mãos pretas, como muitos patrimônios históricos pelo Brasil afora.

Quando a cantora retira seu véu vermelho, seu rosto está pintado de branco e imediatamente me lembra Frantz Fanon e seu célebre “Pele Negra, Máscaras Brancas” (1952). Uma obra que reivindica a descolonização das mentes, do corpo e do desejo na luta contra o racismo — objetos do estudo e da arte de STHELÔ. De forma elegante, a artista planta uma semente do que seria, em Fanon, um convite a desmascarar o mundo e a si mesma.

Para ficarmos na mesma página:

A teoria de Frantz Fanon analisa a psicologia da colonização e do racismo, argumentando que o colonialismo cria uma hierarquia racial que desumaniza o colonizado, levando a um complexo de inferioridade e alienação, e propõe a violência revolucionária como meio de libertação, tanto política quanto psíquica, para alcançar a descolonização da mente e a construção de uma identidade autêntica, criticando o nacionalismo essencialista e focando na práxis transformadora.

Seu show, pensado para ser uma experiência provocante — e esquisita, tal como são os desejos e as categorias sociais que nos classificam —, também me lembrou Ney Matogrosso. Mas não tanto relacionado a ética do Ney, mas uma aproximação com sua estética de explorar a liberdade de expressão de um corpo selvagem que se contorce na estranheza que é habitar os comportamentos tidos como “civilizados”. Neste sentido e, somente neste sentido, há uma semelhança na ética do fato de habitar um corpo, portanto, estranho no mundo: não há outro caminho se não o de provocar um choque.

Não sendo o bastante todo o choque visual de seu figurino, temos a presença de Ivna Messina (infelizmente não tirei foto, fiquei vidrada!), sua professora de dança flamenca, que torna a experiência inquietante, onde ambas interagem no palco e aspectos de raça e afeto se atravessam e se confundem de maneira dramática e “teatral”, como pede o espaço.

o que eu quero dizer? alguém avisou que era pra pisar no chão devagarinho e ela pisou

Foi bonito ver também mais um resultado de um casamento que se juntou bem às misturas de STHELÔ: seu encontro com a dança flamenca que, de alguma maneira, demarca também um reencontro com o seu deus e vestígios de raízes marrons-árabes em sua história social e, possivelmente, familiar — a genealogia das populações não brancas no Brasil e seus mistérios, não é?

Com uma provocação contundente da compositora, “é dificil mudar de deus”, essa experiência sublime me fez pensar como é bom ser surpreendida. Mudar de deus gera uma série de distorções e rearranjos que implicam em lidar com não saber o que vem. E o show nos traz essa sensação o tempo todo: há algo por vir, mesmo que seja tudo ou nada, mas há sempre um impacto a ser esperado. Uma certeza que fica não é a da permanência em um deus antigo ou a absorção de um novo deus, mas uma transfiguração da ideia de deus. Transfigurar, portanto, a própria imagem e abrir mão das certezas que essa imagem garantem. Transfigurar deus é também transfigurar a intimidade.

Nessas transfigurações de deus, intimidade e identidade… ainda assim, a cantautora foi capaz de nos fazer residir na certeza de que, independente do que viesse, seria algo cuidadosamente pensado. Um tipo de coisa que não é todo “operário da arte” (como a intérprete se autointitulou) está disposto a fazer, mesmo quando se pretendem geniais – quem leu meu texto sobre a Formemus, já sabe o que penso sobre artistas geniais no mundo dos “Quem?”.

Para oferecer algo autêntico, é preciso uma presença visceral. Essa presença não se faz sem pensamento e também não se realiza sem um mergulho sincero e profundo nos mistérios que são as reações dos outros. É um território de risco.

Posso dizer que é e será sempre uma honra consumir o que nos convoca para o verdadeiro papel do show: ser um grande ritual. E fico feliz que STHELÔ esteja comprometida em cumprir um fim coletivo que é nos reencontrar com nossas estranhezas.

Saí de lá extasiada. Espero que tenha ficado feliz com seu próprio show e consiga fazer ainda mais estranhas maravilhas com a atenção que devorou dessa plateia. Este é, definitivamente, o primeiro passo para uma grandeza que nem o Espírito Santo conseguirá conter. Parabéns!

Hoje, o que me atravessa é o restaurante El Libertador que fica no bairro Mata da Praia em Vitória/ES. Um lembrete de que há sempre algo a se descobrir sobre nossos vizinhos.

Hoje não falarei muito, porque representa o pouquíssimo que sei sobre Argentina, Chile e Peru — e também o pouco que me conecto com suas histórias, principalmente por um distanciamento dos territórios com sua cultura afro-diaspórica. Mesmo assim, a experiência no restaurante me impactou e me trouxe um ponto de atenção: é um convite para finalmente me interessar e refletir mais sobre a diversidade da América Latina – para além das histórias sobre civilizações antigas, mas sobre as experiências contemporâneas que, confesso, estou bem desligada.

O restaurante é simples, mas com uma rusticidade elegante que se mistura às cores vibrantes do salão, que funcionam como vitrines para as obras à venda de uma autora que eu adoraria lembrar o nome – mas esqueci. Mas vocês podem ver os quadros no fundo dessa foto que fiz da sobremesa (já comecei do final!).

Diversas em suas representações de Marias pelo mundo, as obras da autora conversam bem com a proposta da experiência: os ingredientes podem parecer os mesmos, mas são diferentes. Digo isto porque o cardápio tem uma série de pratos que exploram diferentes cortes e preparos de carnes, com algumas diferenças fundamentais em leguminosas nativas aos países representados. Mesmo que a culinária argentina seja familiar para nós por causa da carne, neste restaurante fica claro que o diferencial está no preparo e no tempero. Algumas especiarias são compartilhadas com a cozinha brasileira, sim, mas a intensidade e a combinação escolhida pelos chefs mudam totalmente a experiência.

Apesar de parecer que o lugar tem um cardápio limitado, acreditem: não é. Inclusive, há uma gama de opções para se deliciar nos 3 países, cabendo para todos os bolsos e gostos (pratos mais baratos a mais caros, para crianças e adultos). O que torna o cardápio um grande painel chamativo e espaventoso, podendo cansar qualquer mente ansiosa e objetiva que só quer comer bem. O interessante, entretanto, foi lidar com uma garçonete preparada para nos indicar um prato que eram vários legumes, verduras e MUITA CARNE. E realmente foi uma boa escolha.

Comemos, entre duas pessoas, esse prato principal e também da sobremesa de pudim com doce de leite que minha companheira de experiência acreditou que eu ia gostar mas eu não simpatizei muito. Tudo isso no almoço, uma experiência bonita, gostosa e rápida. gerou até uma bela imagem, que foi ganhadora no sorteio semanal de melhores clicks, o que nos fez ganhar R$100 em consumação - mais um ótimo motivo para retornarmos ao restaurante.

Retornamos outro dia e, apegadas à boa experiência do primeiro prato, pedimos ele de novo e alguns detalhes do prato vieram diferentes. O que provou uma teoria muito particular que eu tenho que está fundamentada em nada além de vozes da minha cabeça mas que existe para sustentar meu apego à velhos sabores: cada experiência (neste caso, gastronômica) carrega memórias e nuances únicas, mesmo em pratos repetidos. Então, apesar do mesmo prato, o preparo foi diferente, os legumes eram diferentes e o gosto era outro - mas ainda permanecia sendo o gosto de outra cultura.

Nesta segunda vez fomos a noite e fomos muito bem recebidas por atendentes negros. Uma delas sorriu gentilmente para nós, visivelmente feliz com nossa presença - acho que isso vai se repetir em muito momentos - e, apesar do encanto do garçom com minha companheira de experiência, nossa permanência foi respeitada com o devido espaço - o que tem sido um ponto desgastante em várias experiências que compartilho com ela e não publico aqui.

A verdade é que o El Libertador é um restaurante que faz o básico bem feito: é um convite à descoberta e à reflexão sobre culturas latino-americanas pouco conhecidas por mim. Entre sabores, cores e olhares, a experiência me lembrou que a culinária e a arte são portas de entrada para histórias que ainda preciso vivenciar e compreender. Mesmo com meu conhecimento limitado, saí com a sensação de ter tocado, ainda que de forma breve, algo mais profundo sobre identidade, tradição e diversidade. Assim, fiquei sabendo que existem dias específicos que rolam homenagens a algumas apresentações artísticas - como o Tango. Espero retornar em breve para viver essas outras partes que me são possíveis sobre nosso continente.

Hoje a experiência que me atravessa é a sétima edição da conferência e festival de música, Formemus, que aconteceu em Vitória, no Espírito Santo, de 27 a 30 de agosto de 2025. Um lembrete de que mesmo na democratização, existem oportunidades que além de perdidas, são negligenciadas.

Saí do Formemus atravessada por uma sensação antiga: quanto mais aprendo, mais despreparada me sinto. Me envolvo ativamente com a música desde os 16 anos e componho desde então, sem nunca publicar. Participei de cursos e workshops de Musica & Negócios e até de como atuar como uma agente de Artista&Repertório. Gravei minha primeira música e fui premiada no Edital Funcultura para produzir seu videoclipe. Iniciei um tecnólogo em Design Musical, que, por 2 matérias nunca concluí - em outro momento falo sobre isso. A verdade é que sempre fui movida pelo gosto pela música; e, apesar do que parece, não quero carreira, só prazer. E, mesmo assim continuo me vendo pequena no ecossistema musical, talvez justamente por perceber que nunca se sabe o suficiente — algo que falta em muita gente.

Não sou instrumentista nem compositora genial; sou básica, sem modéstia. Mas sempre estive envolvida direta ou indiretamente com grupos e indivíduos muito musicais. Acaba que, de todos os eventos que eu vou nos segmentos artísticos, o da música é o que eu mais encontro pares, ao contrário do audiovisual, da dramaturgia e do teatro ─ todos que só acessei por causa da música. De algum modo eu acredito que o segmento musical, apesar de predatório como qualquer mercado, me parece mais democrático do que o das artes visuais e dos segmentos supracitados.

o que não deixa de caracterizá-lo como um dos campos de valorização mais incisivos

Para ficar na mesma página:

A música expõe um campo em que capital simbólico e econômico disputam legitimidade. O artista nunca atua no vazio: habita regras, convenções e disputas que moldam trajetórias. As criações se tornam mercadoria, sujeitas a estima e mercado. No Brasil, essa disputa atravessa décadas de institucionalização da cultura: mecenato, clientelismo, ditadura e, hoje, lógica produtivista do Estado e mercado sob tutela de interesses privados.

Entretanto, apesar de existir diferenças nos campos de interação de cada segmento, há uma coisa muito comum em todos eles: o artista. E, nestes agentes, existe um cenário comum que muito me incomoda: a passividade autopiedosa. Muitos artistas esperam ser vistos, em vez de se fazerem ver — postura que, por décadas, foi moldada por mecenatos e estruturas frágeis. Eu acredito fortemente que essa postura passiva, que na realidade esconde uma soberba, mas vestida de coitado do sistema, é o que justifica a gente ainda engolir tanta mediocridade na cena cultural.

mas Nataly, que isso mulher? vem comigo que eu te explico!

Eu trabalho com análise de projetos há alguns anos, atuando principalmente em acelerações empreendedoras de impacto socioambiental. Então, eu vejo bastante essa situação de passividade autopiedosa se repetindo; pessoas com milhares de motivos para criticar o sistema, desesperadas para entrar neles, sem de fato querer jogar o jogo dele ou, pior, querendo jogar o jogo errado, fazendo errado, esperando ser visto como certo.

Aonde eu quero chegar? Tem muita gente que fala mal do mercado capixaba em diversas instâncias, mas é nítido como são pessoas despreparadas para entrarem no campo que estão criticando, querendo entrar. Não sabem seus objetivos, não sabem suas metas, propósitos, habilidades, oportunidades, forças ou fraquezas. Não sabem se vender, não sabem se aprimorar, não sabem adequar suas linguagens para diferentes acessos, não sabem, não querem saber e têm raiva de quem sabe! Mas julgam-se sempre geniais demais para não serem percebidos.

e veja, não estou falando de pessoas sem instrução ou que realmente não têm oportunidades, estou falando de pessoas que estão no campo e insistem na mediocridade!

Para averiguar a capacidade de alguns artistas de se venderem, no evento, fiquei pensando em como gostaria de ser um mosquito para ouvir o pitching (apresentação rápida de venda) dos artistas capixabas, até que uma organizadora me disse: “não queira!”. Nós rimos, mas eu perguntei por quê, queria saber o que ela tinha a dizer e ela confirmou o que eu tenho como opinião: as pessoas sentam na mesa do player/empresário e só falam detalhes desnecessários e equivocados para para agentes musicais que nada se conectam com a proposta dos artistas.

Imagens de reprodução, respectivamente: Sthelô, Ada Koffi e Caju

O que é compreensível, mas absurdo, porque serei muito sincera: a Formemus é um banquete luxuoso gratuito para artistas minimamente preparados. O evento oferece formações técnicas e emocionais de altíssima qualidade, oferece palestras e workshops com os maiores nomes do mercado, dá um show de intercâmbio de saberes, oferece uma estrutura sempre impecável alinhando conforto e objetividade e, a cereja do bolo, oferece espaços de pitch com feedback em tempo real dos tubarões do jogo e rodada de negócios que são breves encontros de 5 minutos com organizadores de festivais regionais, nacionais e internacionais ─ como o Afropunk, o Festival Sensacional, o Movimento Cidade e tantos outros. Qualquer pessoa que trabalhe com aceleração de negócios pode identificar que a Formemus é um caso de sucesso logístico.

Este evento é, de algum modo, uma mesa farta para quem tem projeto. Mas um completo desastre para artistas armados para atirar em todos os lados. É uma pena que muitos beneficiários não entenderam isso: sonho quem paga são os nossos pais e, no máximo, o nosso Estado, mercado gosta é de projeto, perspectiva de futuro e visão clara de negócio e valor.

Embora isso tudo seja cansativo e exista uma infinidade de coisas que parece que o artista precisa saber, a verdade é a seguinte: não é necessário saber de tudo, mas saber o necessário no momento necessário com senso crítico para fazer o básico bem feito. Se você tem composições e tem portfólio, por que diabos você não vai se preparar para o pitch ou para a rodada? E por preparo eu quero dizer: estabeleça um objetivo e construa a narrativa que vai te ajudar a alcançar esse objetivo. Escolha bem sua roupa, treine sua fala, pesquise suas preferências, estude suas preferências, identifique o valor das suas referências e associe sua entrega a um valor que pode ser agregado.

Tente não chegar no dia do evento, sem ter se inscrito para a rodada, e ficar ali refletindo “ai será que vou? será que não vou?”. Me deparei com VÁRIOS assim, despreparados mas ansiosos por um golpe de sorte. E eu só conseguia pensar “pelo amor de deus, se você não se preparou, não vá!” ─ tem gente que não tá preparada para encarar a dor sem desistir de seus anseios. Mas sempre dizia para que fossem e experimentassem - na dor ou no amor as pessoas aprendem a se preparar (ou não!).

Mas se é verdade que muitos artistas se perdem na passividade autopiedosa, também é preciso reconhecer que essa postura não nasce do nada: ela é produto de uma educação precária, de políticas culturais frágeis e da quase ausência de mediação e curadoria pública no Brasil. O Formemus, ainda que seja um banquete luxuoso, está inserido num mercado que exige do artista uma performance empresarial cada vez mais sofisticada — o que pode, ao mesmo tempo, profissionalizar e excluir. Por isso, mais do que cobrar genialidades individuais, o que se coloca como tarefa urgente é assumir agência crítica sobre a própria trajetória, deslocando a centralidade do mito do artista-gênio para a força de projetos coletivos e para um posicionamento estratégico capaz de navegar dentro de estruturas que, por definição dentro do capitalismo, serão hostis.

Para ficar na mesma página:

Segundo Bourdieu, a sociedade se organiza em campos, cada um com suas próprias regras e disputas. Neles, circulam diferentes formas de capital: o econômico (dinheiro e propriedade), o cultural (saberes, gostos, modos de vida), o social (redes e conexões) e o simbólico, que nasce quando esses capitais são legitimados e reconhecidos como valor dentro do campo. É essa legitimação que transforma prestígio em mercado.

No campo da cultura, Bourdieu distingue dois subcampos: o da pequena escala, mais autoral e simbólico, e o da grande escala, orientado ao consumo de massa. O primeiro tende à precariedade, ainda que carregue prestígio; o segundo, à força econômica, mas preso à lógica da padronização. Hoje, com a consolidação das indústrias culturais e criativas, esses polos se misturam cada vez mais, atravessados por setores como turismo, educação e entretenimento, e pressionados pelas forças do mercado.

O Formemus se insere exatamente nesse ponto de tensão: um evento que, ao mesmo tempo, oferece formação, rede e prestígio simbólico, mas também exige do artista a performance empresarial própria da grande escala. Para quem está preparado, é um banquete luxuoso; para quem ainda se apoia na ilusão do “gênio incompreendido”, pode ser uma mesa inacessível. A cena se mostra, assim, como um microcosmo do campo cultural: marcada pela disputa entre autonomia e dependência, prestígio e mercado, criatividade e sobrevivência. O desafio é justamente deslocar a arte do mito individual para a estratégia coletiva capaz de navegar nessas forças contraditórias sem se perder.

O que eu estou falando aqui diz muito respeito à falta de trato social dos artistas de lidarem com a falta de capital econômico (nem todos, tem alguns aí que tem capital econômico de sobra e ainda fazem feio!), e a falta de manejo de outros capitais possíveis, como o social e o cultural para poderem atingir seus objetivos com o mínimo de compromisso e capricho.

traduzindo: se você não tem o dinheiro que precisa, busque conhecimento e a galera que você precisa perto de você.

Por isso, nem tudo são absurdos também, existem artistas que parecem bem preparados ou, ao menos, com uma performance mais madura para verem suas atividades como negócios sérios, a saber: Sthelô, Ada Koffi, Caju e alguns poucos outros.

Um traço comum entre essas e outres artistas que realmente se destacam é que eles nunca estão sozinhos: sempre aparecem com a sua galera. No fim das contas, ser artista é antes de tudo convencer a sua própria rede da potência das suas ideias. São essas pessoas próximas que oferecem serviços, colaborações ou trocas justas que viabilizam projetos — e se você não consegue mobilizar nem esse círculo imediato, dificilmente conseguirá conquistar o interesse de um player do mercado. Nesse sentido, colocar-se como empresário de si mesmo não é repetir o discurso neoliberal do “empreendedor de si”, mas sim exercitar uma visão crítica: sair do pedestal da genialidade solitária e se reconhecer como parte de um coletivo que sustenta, transforma e projeta o trabalho para além de si.

Nesse jogo, os grandes players ditam as regras e os pequenos produtores precisam aprender a se mover entre autonomia e dependência. A criatividade, quando transformada em mercadoria, corre o risco de ser engolida pela lógica da inovação e do consumo. Ainda assim, é nesse mesmo espaço de tensão que surgem brechas para reposicionar a arte: não como um dom individual, mas como estratégia coletiva de sobrevivência simbólica dentro de estruturas que, ainda dentro da lógica capitalista, nunca deixarão de ser hostis. Se queremos ampliar as possibilidades, precisamos assumir criticamente essa realidade: parar de esperar salvadores e começar a planejar, aprender, se posicionar - coletivamente.

Se você não tem compromisso com sua propria trajetoria, porque um investidor teria? O que garante que você saberia usar o dinheiro/oportunidade dele?

Hoje, o que me atravessa é um jantar no restaurante Kairū em Vila Velha/ES. Um lembrete de que é preciso saber lidar com a beleza.

Vocês agora já sabem que eu sou uma romântica, apaixonada por experiências éticas e estéticas que sejam coesas, né? O Kairū é o lugar perfeito para uma pessoa como eu ─ porquê eu adoro também um aspecto luxuoso nisso tudo. Dedicado à promover experiências criativas através da gastronomia brasileira, alinhadas a contextos sazonais, o restaurante é uma caixinha de surpresas que eu gostaria de ter aproveitado mais!

Localizado na Prainha em Vila Velha, um bairro tradicional e constantemente reavivado pelo sua relevância histórica e simbólica de ter sido o primeiro lugar onde os colonizadores desembarcaram no Espírito Santo, Kairū estabelece uma presença de respeito com a realidade local, ocupando um casarão histórico (1928) de tirar o fôlego.

Imagem promocional do ES360 sobre o restaurante Kairū, inaugurado em 2025.

Entretanto, o meu fôlego foi bem compensado; afinal, 2 garçons se dedicaram a preencher minha noite com uma presença falante que não encontrava espaço para o silêncio.

Fui ao restaurante com minha amiga íntima Ariadine Ferreira, uma mulher com uma beleza reconhecidamente estonteante, apoteótica e, sobretudo, cênica: é impossível não pregar os olhos para acompanhar todas as micro-ações dessa mulher. Sobretudo, é impossível não querer também ser notado por ela. Mas quando saímos eu e ela, eu espero sempre que seja eu que tenha a honra de viver o momento com ela. Porque essa é a premissa do fato de escolhermos sair juntas. Mas faz quase 1 ano que saímos para experimentar a gastronomia diversa no Espírito Santo e, mesmo parecendo um casal, os homens que trabalham nos estabelecimentos que visitamos não veem isso como uma barreira ─ e sempre escolhem atravessarem nosso momento a sós. Mesmo com o fato de que eles estão trabalhando ─ e não num happy hour em que eles podem flertar com qualquer uma.

Fotos de divulgação | Pratos do Kairū (2025)

Veja, o restaurante é lindo, com 5 espaços distintos em apenas 2 andares. Fomos muito bem recepcionadas, senti até que estava em uma mediação museológica. Fomos apresentadas aos espaços, aos formatos de reserva e utilização, bem como os modos de uso do lugar. Eu até lembro de subir as escadas e ver um dos garçons apresentando algumas especiarias para outros clientes. Me vi pensando “caraca, essa é mesmo uma experiência luxuosa e completa”, até eu quis ser apresentada àqueles temperos e sementes ─ que eu já bem conheço, afinal, são elementos da culinária brasileira, presentes em quase toda cozinha ou quintal.

Registros pessoais da noite

Sentamos no espaço próximo ao bar, era um horário de happy hour, então tinham mais pessoas bebericando do que comendo. Pelo que pude perceber, era apenas eu e minha amiga e outro casal que estavam se deliciando no cardápio, curioso e instigante. Tanto é que nós nos inspiramos no pedido desse casal para uma entrada deliciosa que tinham batatinhas, polvo e molho de polvo ─ o que fez minha amiga lembrar de quando ela comia língua de boi, porque a textura do polvo era extremamente agradável.

O primeiro garçom nos atendeu entusiasmado. Não é a primeira vez que lidamos com esse sentimento, pelo fato de que estão vendo duas mulheres negras frequentando um espaço que habitualmente não recebe esses corpos ─ que, de alguma forma, se espelham nos corpos parecidos que estão trabalhando no ambiente. Entretanto, o entusiasmo foi tanto que, um pedido de indicação de prato do dia se tornou o início do meu pesadelo.

Ariadine, a pivô, lindíssima no nosso jantar

Eu acabei sendo atordoada de informações que já estavam no cardápio sobre os pratos que tinham. Sei lá, quando eu peço uma indicação, eu espero que a pessoa colete dados sobre mim (em outras palavras: me faça perguntas) e, objetivamente, me indique um mais alinhado com minhas preferências ─ existe um restaurante na Praia do Suá que fez isso muito bem. Mas na verdade eu ouvi a reprodução do sumário executivo de 3 pratos e alguns drinks. Eu queria sim ouvir um pouco mais sobre o que eu tinha interesse, mas não precisava de tanto tempo assim. Um discurso que foi bem longo e tomou mais do que 3 minutos necessários para a interação entre nós e o garçom.

Depois de repetir os pratos para mim, ele focou sua atenção em Ariadine que, inicialmente, estava até achando que não seria atendida. Ele fez algumas perguntas a ela e reafirmou a escolha prévia que ela tinha por um prato. Disse que ela ia gostar e mais umas conversinhas de que isso e aquilo ─ mais do que o necessário, de novo. Até aí, tudo mais ou menos bem.

Fomos abordadas para conhecer outros espaços, visitamos, tiramos fotos e refletimos a possibilidade de outros retornos ao espaço. Mas o pedido veio tão rápido para nossa mesa que fomos abordadas para retornar e chegamos com os pratos dispostos ─ e essa rapidez foi impressionante. No meio das garfadas dessa entrada ouvimos um “estão curtindo?” umas 3 vezes. Terminamos de comer e buscaram nossos pratos, alguns bons minutos depois fomos perguntadas se já poderiam lançar o pedido do prato principal (ora?). E seguimos para mais algumas abordagens de “estão curtindo?”.

Meu deus, a última coisa que eu estava fazendo era curtir! E acreditem, eu queria poder estar falando da experiência de comer o prato, mas eu mal lembro o nome dos pratos que comemos.

Chega nosso prato principal. Quando penso que não podia piorar ─ porque eu estava até agora só achando que eu estava sendo chata demais ─ outro garçom, que não estava nos atendendo, faz uma abordagem direta na minha amiga, pegando na mão dela (ignorando completamente minha presença), perguntando se a conhecia de algum lugar, porque ele estava achando que ela era uma outra mulher. Ambos sabiam que não era daquele lugar que ele trouxe e, também, ambos sabiam de onde se conheciam: de lugares em que ele estava presente quando estava com a namorada e escolhia não cumprimentar minha amiga.

Papo vai e papo vem ─ ainda estávamos comendo, diga-se de passagem ─ ele se recorda que está sendo inconveniente, dá uns passos para trás para sair, faz como quem se importa “estão gostando da experiência?”... e eu faço como quem queria estar plenamente confortável e falando a verdade, mas só digo: sim. Enquanto ele sai sem nem olhar na minha cara.

Registros pessoais da noite (não tive nem espaço e tempo pra tirar boas fotos!)

Infelizmente, passei boa parte da noite e deste texto falando da presença fantasma de 2 garçons que não foram convidados para o nosso jantar. Adoraria poder dizer que eu estou sendo muito chata e que isso estava se repetindo com outras pessoas, mas não estava, nem com o casal ao nosso lado ─ que também estava comendo. Adoraria também poder dizer que essa situação não ressoa diversas outras que eu tive na presença da minha amiga ─ no dia seguinte, inclusive, até em um bar do Centro de Vitória um rapaz veio com uma abordagem em tom de flerte para a minha amiga me dando cada vez mais certeza: não há nada nesse mundo que impeça um homem de acabar com a boa experiência de uma mulher nessa vida.

Tirando a constante sensação de que, se eu levantasse do meu lugar, algum deles sentaria para aproveitar a experiência com minha amiga e o fato de passar mais tempo ouvindo as vozes dos garçons do que, de fato, aproveitando o espaço, talvez eu teria coisas ainda melhores para dizer.

Infelizmente, fui a um lugar lindo com uma mulher linda e não pude aproveitar a beleza de nenhum dos dois. No fim, não curti.

Hoje, o que me atravessa é a exposição “Arte africana: Máscaras e Esculturas” em Vitória/ES na Galeria de Arte e Pesquisa da UFES. Um lembrete sobre o que morreu.

Medo, pavor e angústia, foram esses os sentimentos predominantes a partir do momento que entrei no espaço expositivo. A entrada quase cerimoniosa na minha mente era marcada por várias vozes com um único murmúrio interno: “licença”. A cada máscara e escultura que eu observava, a experiência se tornava cada vez mais enlouquecedora.

Plotagem da entrada da exposição na GAP/UFES em Vitória/ES (2025)

Por algum motivo, a pulga atrás da minha orelha me fazia lembrar sobre ética, ethos e estética. Componentes basilares para a formação de qualquer sociedade.

Para deixar a gente na mesma página:

Text within this block will maintain its original spacing when published

 A ética são os princípios, o ethos é a consciência viva encarnada nas práticas sociais e a estética é a forma que se dão nesses desdobramentos cotidianos. Assim, por exemplo, uma iniciação é uma ética de demarcação de passagens de ciclos, se o ciclo escolhido é a passagem de jovens garotos para a vida adulta esse é um ethos particular de uma dada comunidade… e como isso vai se materializar é assunto principal da estética.

Pode um grupo social se constituir, se estabelecer e permanecer forte sem que haja princípios? Isto é, pode existir poder social sem ética? Arrisco dizer que não, definitivamente não, pois tudo aquilo que pode ser visto é algo que foi materializado por causa de crenças que o criaram. Não é possível portanto a gente dizer que há algo de vivo quando visitamos exposições como “Arte Africana: Máscaras e Esculturas” na Galeria de Arte e Pesquisa (GAP) na Ufes. Uma exposição que consegue colocar muitas culturas distintas em alguns 200 e poucos metros quadrados e chamá-las, todas de representações da arte africana, quando são na verdade uma ode à colonização.

Digo isso porque essas máscaras e esculturas são signos e símbolos e, por vezes, seres inteiros que comunicam coisas sobre uma dada sociedade. Essas coisas podem ser tanto “mecanismos inconscientes, comportamentos, palavras, imagens e afecções corporais” (p. 197) quanto mortos ilustres, deidades, entidades, animais, monstros, premissas da natureza e uma série de outras coisas que não seria correto nem coerente tentar categorizar. O que faço aqui é um esforço de trazer a devida atenção ao peso do que essas coisas realmente são não o que elas representam: elas são entidades, mas o ocidente diz que elas representam alegorias de grupos sociais exóticos. É preciso, portanto, não se confundir com o fato de que essa exposição é sobre a capacidade da sociedade ocidental de demarcar a “evolução” que eles desesperadamente buscam.

Descrição sobre uma das máscaras da exposição

Na história da europa é possível ver uma obsessão muito clara em desenvolver-se cada vez mais, para ser capaz de realizar técnicas cada vez mais avançadas. Tudo que eles podem falar de outras sociedades, portanto, está sempre no nível das técnicas. Fulano de tal fez obra tal de tal jeito, enquanto Sicrano da Silva fazia a obra de tal e tal forma. Isso não é diferente do que se vê nas descrições das obras expográficas.

Na exposição, os enfoques nos detalhes estéticos são uma clara constatação daquilo que a violência colonial não conseguiu alcançar, marcando, inclusive, um limite de até onde vai um roubo: apropriação das técnicas, não dos sentidos. Lê-se “características faciais exageradas” ou “uma crista central em todas as obras desse povo” ou “olhos destacados e cores terrosas” ou “o preto se associa a morte” que são classificações que nada dizem e nada informam mas muito revelam: aspectos do invisível que nunca serão compreendidos se não por aqueles que lhe deram o significado. Assim como definições superficiais sobre suas utilidades “máscara de iniciação” ou “para ritos fúnebres” ou “representação de grandes deuses” tentam explicar o inexplicável: são sigilos mágicos para tornar possível a continuidade da vida.

tá dando pra entender? espero que sim e que não

Curiosamente, em setembro do ano passado eu havia adquirido e lido o livro “As Máscaras Africanas” Franco Monti (1992) e até comentei nas redes sociais que eu achei a obra uma porcaria que servia somente para referência visual para quem estuda cosmogonias de grupos étnicos do continente africano. Minha principal crítica era o fato de que o livro é tão pobre que chega a ser redundante, o autor se dedica a descrever as máscaras como se estivesse fazendo uma comparação às obras e técnicas europeias. Como se as “artes europeias” e as “artes africanas” estivessem realmente em pé de igualdade, coisa que não estão; não por diferenças hierárquicas dentro de um mesmo campo de valor simbólico, mas por completa deformação dos sentidos: o que se chama de “arte africana” não é arte, é outra coisa.

Para ficar ainda mais claro o que os críticos da arte europeia chamam de “arte africana”:

Text within this block will maintain its original spacing when published

Se vivêssemos numa sociedade construída por africanos que colonizaram europeus e existisse uma exposição chamada “arte europeia”, o que teria nessa exposição seriam santinhos e esculturas de filósofos, anjos, deuses e demônios, um rei que um país africano qualquer matou de algum país europeu e uma pilastra qualquer de um bairro em Nápoles na Itália.

Essa prática de categorização e detalhamento das entidades é o clássico do eurocentrismo, sabemos, mas é sempre absurdo compreender, cada vez mais, como o campo da arte é um campo de valorizações estúpidas. Quando eu li algo como “essa obra revela uma técnica do cubismo por excelência” neste livro do Franco Monti, como se a máscara fosse uma produção que traz a referência do cubismo e não o contrário ─ que os europeus que se referem aos caprichos estéticos de sociedades africanas ─ eu fiquei em completa descompensação mental.

Registros do livro “As Máscaras Africanas” de Franco Monti (1992)

Na história da arte europeia é preciso juntar vários artistas para contar uma história de uma era para tal sociedade ocidental. Mas a verdade é que o que se convenciona por arte é na verdade o resultados das expressões de perspectivas individuais de burgueses. A arte ocidental tem como principal marca o autocentramento. Esses símbolos, na exposição caracterizados como “arte africana”, são fragmentos de perspectivas coletivas que dão forma a visões de mundo de um grupo social. Ver essas máscaras e esculturas é ver, portanto, fragmentos de VÁRIAS comunidades desconfiguradas.

Assim, não estou dizendo que comunidades africanas não possuem senso estético e que são incapazes de realizarem criações puramente contemplativas. Não mesmo! Afirmar isso seria reafirmar discursos racistas. Mas não são essas as obras que estão lá expostas. Desse modo, estou dizendo que assassinar corpos e estampa-los numa vitrine expositiva não é arte, é sadismo.

Essas exposições são vitrines da morte de rituais que imprimiam as verdades advindas da relação harmoniosa e respeitosa com a natureza, preenchido de palavras como “acredita-se” para tentar se aproximar daquilo que foi assassinado. Para se referir ao morto, eles dizem: “acredita-se” que representa… “acredita-se” que signifique… “acredita-se” que demonstra… mas diante de todas as constatações a pergunta que realmente fica é: para que serve tanta crença?

Mesmo sem respostas para esta pergunta, aconselho a visitação. Há muito o que se aprender para olhos e ouvidos atentos. Ecos da história estão nas entrelinhas. A exposição fica em cartaz até o dia 17 de outubro. A visitação é gratuita e pode ser feita de terça a sexta-feira, de 09h às 12h e 13h às 17h.

Por exemplo, é notável uma explicação mais elaborada e profundidade de significado mais palpável principalmente nas obras de povos da iorubalândia (como Nigéria e Benin), talvez isso reflita o fato de que a memória sobre esses povos nos parece mais viva porque foram uns dos ultimos que aqui chegaram, pelas vias do sequestro no tráfico transatlântico de escravizados. Entretanto, nós podemos ver uma série mais extensa em quantidade de símbolos da República Democrática do Congo e dos Mali, que acabaram sendo os povos com exploração prolongada.

Para nos mostrar partes de nós, população negra, que foram aniquiladas, a visita vale — mas apenas se feita com respeito e consciência crítica. Para nos lembrarmos de que estamos de luto. E que precisamos sair da negação.

Hoje, o que me atravessa é o show de lançamento do álbum "Agridoce" de Dan Abranches em Vitória/ES no Sesc Glória. Um lembrete de que a vida é atravessada por delícias e dissabores que podem ser casadas num discurso coeso e belo.

Capa do álbum “Agridoce” de Dan Abranches (2025).

Aviso que este texto tem grandes doses de pessoalidade, dado a um certo nível de intimidade que possuo com Dan Abranches e Flora Fiorio ─ o artista e sua esposa.

mas o que diabos tem a ver a esposa dele com este texto? vem comigo, vai fazer sentido!

Eu sou uma pessoa romântica, adoro observar a vida e, mais ainda, adoro criar discursos que conectem o sentido das coisas. Isso influencia a forma como eu experiencio a vida em todos os seus âmbitos: estudo, trabalho, arte, espiritualidade e relacionamentos. Assim, o que mais me chamou na experiência desse show foi visualizar a visceralidade dos relacionamentos de Dan Abranches: o dele com ele mesmo, o dele com o mundo e, especialmente, o dele com a arquiteta e diretora de arte Flora Fiorio.

Eu conheci os dois antes da união e em contextos e proximidades distintos. Eu e Flora nos conectamos por causa de um ensaio fotográfico com Julia Pavin, para o qual fomos sorteadas para realizar um photoshoot, em conjunto com Ariel Mainardi em 2018. Flora, que sempre foi multipotencial, costurou sua elegância em multilinguagens indo desde a tatuagem ─ na qual fui alegremente cliente e também cobaia para inscrever símbolos valiosos na minha pele ─ até a cenografia ─ sendo um nome em ascensão para propiciar experiências estéticas sublimes e funcionais, como tem feito nas últimas edições do Festival Movimento Cidade.

Photoshoot de Julia Pavin (2018).

Já eu e Dan nos conectamos por meio de grupos em comum, em uma noite qualquer na escadaria do bar da Zilda no Centro de Vitória. A partir dessas conversas fiadas, nos conectamos principalmente pelo fato de que eu sempre fui uma tiete de seu trabalho. Dono de uma assinatura musical densamente sensível ─ que foi sabiamente amadurecida na sua experiência no The Voice em 2019 ─ acompanho sua carreira desde o álbum Ruby, uma obra profunda e original, mesmo em meio a tantos elementos sonoros sintéticos. Vindo do interior do mundo, aquele que nunca sai nos jornais (Cachoeiro de Itapemirim, Espírito Santo), Dan me chamou especial atenção porque ele fazia uma produção fina que eu só tinha encontrado nos R&B e Neosouls estrangeiros. Mesmo um homem branco, ele me impressionou com a forma particular de digerir essas referências musicais ─ historicamente negras.

Imagem promocional de Dan Abranches para Agridoce (2025).

Por isto, eu o escolhi para ser o produtor do meu primeiro fonograma publicado “Vinho”, um nascimento que tive a imensa honra de ter Flora como diretora geral e de arte que fez resultar num trabalho que eu tenho muito orgulho de ter colocado no mundo e que você pode acessar clicando aqui.

Flora já vinha assinando diversos trabalhos do Dan, desde Flor de Laranjeira até agora, a diretora de arte vem sendo responsável pela linguagem estética de seu marido há, pelo menos, 5 anos.

Ambos parecem ter sido destinados a se encontrar, existe uma delicadeza muito particular nessa relação que tem resultado em produtos criativos sublimes ─ para ambos. Com o show de Agridoce, dia 21 de agosto, isso ficou ainda mais evidente.

este texto é uma semente para o que o proprio Dan me atiçou em um breve encontro que tivemos na Selva, casa de festa de Vitoria/ES: uma critica cultural necessaria para a cena de vitoria. então… nada melhor que comecar com ele.

Muito provavelmente, o Dan foi o artista de que eu mais assisti shows. E todos eles sempre foram muito bem pensados, mesmo os mais simples. Com elementos estéticos favoráveis ou não, ele sempre conseguiu entregar uma experiência musical intensa. Vendo este Agridoce, eu pude observar um amadurecimento crucial que pode mudar os rumos da sua carreira de vez.

Desta vez, o artista investe em uma vivência espetacular, no sentido literal da palavra. Resultado ─ intencional ou não ─ de colaborações que ele vem tendo com a produção de trilhas sonoras para performances teatrais, a apresentação foi um mergulho no mundo particular dele. Desafiando uma trajetória de posicionamento tímido até em palcos pequenos que era capaz de quase escancarar sua vergonha, mesmo com a familiaridade de palcos ainda mais pesados.

O que mais chama atenção é como Agridoce foi um show sinestésico porque trouxe para a visão uma experiência que geralmente associamos ao paladar: agridoce ganhou cor e sonoridade. Um agridoce elegante que revela de modo palpável a influência de Flora para costurar todos os conceitos.

No show do Dan Abranches no Movimento Cidade em 2024, me chamou muita atenção o aspecto solar da apresentação. O que me fez perceber que o artista está, intencionalmente ou não, passando por um processo de transição profundo, em que ele sai dos EP’s escuros (como Ruby) para EP’s claros (como Flor de Laranjeira). O que demarca, inclusive, seu desapego à língua estrangeira ─ que caracteriza seu primeiro EP ─ para seu experimento em língua brasileira ─ que caracteriza o EP de Laranjeira em plena pandemia. Entre estas duas fases, houve ainda Dark Cloud, um álbum escuro que misturava o inglês e o português com altos niveis de melancolia. Esse jogo entre melancolia e alegria é justamente o sabor agridoce que marca esta nova fase.

Dan Abranches no Movimento Cidade (2024).

É batata para quem é do meio musical que os EP (extended play) são territórios de experimentações e os Álbuns são os territórios de consolidação de uma identidade ou, pelo menos, de uma era. Assim, para quem acompanha e virá a acompanhar o trabalho do compositor, verá que a melancolia atravessa todas as suas produções; e este é um elemento fundamental da sua sensibilidade. Aquela forma curiosa de digerir referências negras, de alguma forma, se torna única porque passa por uma melancolia muito particular ao corpo transmasculino do Dan. A melancolia sempre está (e acredito que estará) presente, mas sempre em novos formatos.

Capa do EP “Flor de Laranjeira” de Dan Abranches (2020).

Suas músicas, que sempre falaram sobre relacionamentos, ganham uma nova cor quando esses relacionamentos são tocados por um sentimento novo ─ que ele passou a cantar depois da chegada de Flora em sua vida. De uma profunda tristeza, enxergamos em suas músicas, o vislumbre de uma alegria que ele visivelmente tem encontrado no amor. Saindo do sentimentalismo que atormenta mentalmente o ser humano (o que pode encontrar correlação em suas produções eminentemente sintéticas no passado) e encontrando conexões palpáveis na natureza (o que ressoa com sua crescente experimentação instrumental com diversos talentos da cena capixaba).

E, embora eu esteja me referindo a 2 polos e sempre dizendo que ele “sai de um” e “vai para outro”, de modo algum o artista está realmente desconectado das contrapartes e o show de Agridoce é seminal nisso: há um perfeito equilíbrio entre essas luzes e sombras, o que gera, de fato, um gosto agridoce; unindo o melhor dos dois mundos.

Capa do álbum “Ruby” de Dan Abranches (2017).

há mais mistérios entre o single Gold e o single Nem todo ouro do que a vã filosofia dos homens possa imaginar

É visível uma reconexão do cantor com o Brasil e, portanto, seu corpo. Talvez, ele esteja, através do amor com uma mulher negra, se recompondo ao fato de ser fruto de um território biodiverso e rico em camadas profundas. Assim, o músico parece cada vez mais confortável em seu corpo (não livre dos atravessamentos disfóricos, que o artista não esconde sobre sua voz), gerando-nos uma curiosidade ainda maior sobre quais serão as outras coisas que ele será capaz de alquimizar e entregar ao público.

Aliás, no álbum Agridoce outra coisa interessante aparece: a influência de seus trabalhos com Afronta MC e Beth MC ─ principalmente através da Infiltra Rec, uma gravadora pensada para corpos marginalizados. O Rap foi incorporado em alguns de seus singles, gerando uma curiosidade boa do que está por vir.

E, embora haja uma insistência na lógica discursiva do compositor de não falar sobre amor, me parece que todo o seu trabalho foi sobre isso: a diferença é que agora ele encontrou. É belo acompanhar sua trajetória e sua dedicação de falar de tudo que contribui para a continuidade da vida e confrontar tudo o que opera contra ─ o que é isso, se não amor?

Dito tudo isto, posso dizer que a coisa mais bonita de toda essa trajetória é ver os resultados de bons casamentos. Sejam eles românticos, assexuais e/ou de trabalhos. Dan Abranches tem um cuidado com a própria caminhada que deveria ser uma referência para o cenário musical ─ e quiçá, artístico, de forma geral ─ do estado do Espírito Santo.

O show é uma verdadeira experiência amorosa etérea difícil de encontrar ─ dessas que lembram por que a arte importa, sendo capaz de agradar ao gosto de qualquer um.

Parabéns Flora Fiorio e Dan Abranches, pelo lindo casamento!